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科学技术上新的发现在我们宇宙观所引起的变化，必然会引起表达工具的变化，绘画中的色彩便是其中之一。17世纪末，艾萨克·牛顿发现太阳光是由构成彩虹的各种色彩组成的，一束阳光可以通过棱镜分解成为不同的颜色。他的实验成果在美术家当中引起了强烈的震动，特别是他向人们揭示了这样的事实：尽管色彩是画家涂抹在画布上的色料，但它却是物质的，属于光学性质，色彩是光线造成的结果。这个实验和后面我提到的其他一些实验都发生在19世纪的最后20年中，使得色彩超越了图形而完全占上风。
18世纪到19世纪中期，浪漫主义有举足轻重的影响，这流派赋予色彩和光线重要的地位，就像德国画家卡斯帕·大卫·弗雷德里希那样，在广阔辉煌的大自然面前，将孤独和失望的生灵画成了肖像，使我们更容易理解为什么色彩能比图形更加淋漓尽致地在绘画中表达人物的精神状态和情感。
在针对英国画家特纳的最常见非议声中，他们批评他的绘画有时近乎混乱，这正是由于他没有赋予图形那种它本身所具备的构图功能。但是自浪漫主义问世以来，色彩和光线在作品当中的地位便有增无减，到20世纪初，因为色彩和光线自身的特点，它们为画家开启了思考绘画艺术新现实的大门，有人已经开始称这种绘画为现代艺术。
19世纪中叶出现了第二条历史轨迹，那个时代的人已经不再信服学院派的权威，试图超越浪漫主义的主观性，像科学家那样有条不紊地观察世界，这个在绘画艺术中被称之为现实主义。这种态度来源于19世纪70年代前后法国的浪漫主义，那个时候莫奈、雷诺阿、西莱斯和其他比库尔贝更年轻的艺术家继续大众题材的创作，但与此同时，他们的绘画作品集中关注了光线的问题，从而也就关注了色彩的表现力。
促使画家真实描绘所见景象的新现实主义的核心要求之一，就是印象派画家走出画室，到户外去工作，在景物和人物面前作画。在户外作画向艺术家提出了新的要求，使得画家不得不重视色彩的作用。相比之下，图形沦为一张草图，或者是寥寥几笔勾画而已，而最重要的工作则集中在画家观察的能力和随后调出适宜色调的能力。
在立体主义发展史中，艺术家完全摒弃了绘画作品的基本特征之一，即物体在空间中应该具有的独立性以及人物和背景的区别。从这个出现裂变的时刻开始，艺术家已经摆脱了对现实进行模仿的绘画手段，将要获得绝对的自由。从作品角度来看，这既包括了那些仍然探寻如何模仿现实的尝试，比如说，给我们潜意识赋予一种形式，就像马克思·恩斯特的作品，也包括荷兰画家蒙德里安更加抽象的作品。在他的作品中，色彩重新获得了中世纪时期那种纯粹单一的效果。
如何把色彩解放出来？如何使一幅画中的色彩可以像自然风景那样表现自如？这就是卡洛斯·克鲁兹—迭斯提出来的挑战。
上世纪20年代前后，不少艺术家全力以赴开拓表现的可能性，抽象派艺术家更是如此。他们发现色彩可以被用来思考，卡洛斯·克鲁兹—迭斯的作品在画坛占有了一席之地。
20世纪50年代中期，卡洛斯决定围绕色彩给他提出的问题进行创作。之所以这样做，首先是因为他发现自己喜欢绘画很大程度上是由于对色彩的钟爱，其次是由于他曾经接受教育的地方委内瑞拉加拉加斯，在抽象绘画的传统中是有地位的，塞尚和立体主义流派对于追求现代精神和进步的他那一代人来说，正好是最能淋漓尽致表达自己的绘画方式。
20世纪初的马蒂斯试图直接用色彩作画，20世纪中期有一些艺术家将构图和图形的重要性降到了最低的程度，色彩仍然被束缚于图形。如何把色彩解放出来？这是卡洛斯提出的挑战。
1954年到1959年间，他用几种方法去做实验，他的研究工作一方面依托于对艺术史的研究，一方面利用照相行业复制图像的技术。有一天，他在设计一个说明书的时候，有一个白色空页和红色彩页拼在一起，他观察到在适宜的灯光条件下，两个色彩平面之间的空间染上了轻微的粉红色，这一发现使他清楚意识到，存在用反射色彩来深入研究的可能性，这是光线照射到一个物体时，物体投射到空间的色彩。
(责任编辑：DY) |
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